Новые выставки в Риме

Ирина Баранчеева

Новые выставки в Риме

Культурная жизнь итальянской столицы богата и разнообразна. Каждый сезон выставочные залы и галереи радуют римлян и гостей этого прекрасного города выставками, посвященными великим художникам прошлого и настоящего. Сезон 2011/2012 года был интересен многими событиями, как, например, экспозицией «Возрождение в Риме», на которой были представлены три работы, атрибутированные Микеланджело, а также монографическими выставками Мондриана и Гверчино и русского авангарда с картинами Гончаровой, Ларионова, Лентулова, Фалька и других, которые были выставлены в Палермо и Риме в обмен на работы Антонелло да Мессина, экспонировавшиеся в Третьяковской галерее в Москве.

Рубрика «Новые выставки в Риме» посвящена наиболее запоминающимся событиям художественной жизни итальянской столицы.

Караваджо и Рим

Рим сыграл важную роль в жизни и творчестве Караваджо. В свою очередь, Вечный Город невозможно представить без шедевров этого гения, который своей трагической жизнью и противоречивой личностью оставил о себе память столь же незабываемую, как и его живописные работы.

400-летию со дня смерти художника в 2010 году Рим посвятил большую ретроспективную выставку, прошедшую в престижном выставочном зале «Скудерие дель Квиринале». Однако интерес к теме Караваджо не угасает, и в 2011 году в залах палаццо Венеция состоялось сразу несколько выставок, посвященных «ломбардскому гению».

Первая из них называлась «Караваджо. Мастерская гения», где на основе свидетельств современников и инвентарного списка имущества художника устроители попытались восстановить его метод работы. В историю искусства Караваджо вошел как революционер света и пространства, организовавший их на своих полотнах совершенно особенным образом. Доминирующий черный фон его работ с ярко освещенными, как будто выступающими на поверхность фигурами позволил некоторым историкам искусства выдвинуть довольно смелую версию о том, что художник использовал для создания своих картин технику фотографии, еще не изобретенной, но уже предсказанной Леонардо да Винчи. Караваджо превратил свою мастерскую в огромную «камеру обскура». Его модели освещались светом, струившимся из отверстия на потолке, и образы проецировались на полотно с помощью увеличительного стекла и зеркала.

Темпераментный и необузданный в своих житейских поступках художник отнюдь не был импровизатором в искусстве. Он размышлял и тщательно выстраивал свою технику, чтобы добиться новых и неожиданных эффектов. Использование отраженных образов для изучения светотени и ракурса, помимо Леонардо да Винчи, было описано в трактатах Леона Баттисты Альберти и Антонио Филарете. В 1584 году, когда юный Караваджо учился в мастерской Симоне Петерцано в Милане, была переиздана книга Джованни Батисты делла Порта «Естественная магия», из которой, возможно, он почерпнул метод для работы. С помощью комбинации зеркал можно было нарисовать автопортрет, и именно так, скорее всего, Караваджо выполнил картину «Маленький больной Вакх», которую некоторые ученые считают его автопортретом. Росселла Водре, крупнейший в Италии специалист по Караваджо, утверждает, что художник писал образ с помощью двух зеркал. Вначале естественный свет, струившийся сверху, отражаясь в зеркале, освещал фигуру модели, а художник видел ее, уже отраженную во втором зеркале.

В одном из залов была воссоздана мастерская Караваджо. Благодаря инвентарному списку вещей, находившихся в ней, можно судить о том, что художник жил весьма бедно, мало заботясь о собственном благосостоянии, хотя имел много заказов и немало богатых покровителей. С большой долей уверенности можно сказать, что Караваджо не испытывал недостатка в средствах, но он жил в первую очередь своим искусством. Подрамники, кресло, скудная мебель, эфес шпаги, алая накидка и немногочисленные предметы, которые появляются на его картинах, составляли скромный антураж его повседневной жизни.

Макеты предметов и моделей, сделанные из стеклопластика, для картин «Пишущий св. Иероним», «Маленький больной Вакх», «Медуза» и «Корзина с фруктами», соответственно освещенные и отраженные в зеркалах, помогали посетителям погрузиться в тайны мастерства художника и почти воочию ощутить, как рождались его шедевры.

Еще одна выставка под названием «Картины Караваджо для капеллы Контарелли в церкви Сан Луиджи дей Франчези» переносила публику к раннему этапу творчества Караваджо в Риме, а именно к 1599 году, когда он получил свой первый большой заказ. Рентгеновский анализ полотен на сюжет из жизни св. Матфея показывает, что художник не сразу находил нужную композицию. Он менял расположение фигур, иногда возвращаясь к первоначальному замыслу. Анализ картины «Мученичество св. Матфея» свидетельствует о том, что Караваджо абсолютно переделал первоначальный вариант полотна, отказавшись от архитектуры, ограничивавшей пространство, и множества мелких фигур, которые рисковали закрыть или затемнить образ апостола.

Последняя по времени, но отнюдь не по значению инициатива палаццо Венеция – выставка «Рим во времена Караваджо. 1600–1630 годы», которая продлилась до февраля 2012 года. Ее целью было дать широкую художественную картину города, который в то время, пережив драму разделения западной церкви на католическую и протестантскую, вновь становится культурным центром Европы. В Рим съезжаются художники со всей Италии (Караваджо тоже был «пришельцем» в Риме) и из других стран. Город полон французов, немцев, фламандцев, испанцев, которые способствуют созданию его славы. Выставка рассказывает о художниках, работавших рядом с Караваджо, которые, к несчастью для них, были затемнены слишком ярким сиянием его гения.

Открывается экспозиция «молчаливым диалогом» двух картин, написанных на один и тот же сюжет: «Мадонна ди Лорето». Одна – принадлежит Караваджо, другая – выдающемуся художнику того времени Аннибале Карраччи. Даже их беглое и поверхностное сравнение позволяет судить о том, как далеко ушел в своих исканиях ломбардский художник по сравнению с господствовавшими направлениями в живописи начала XVII века. При жизни Караваджо часто сравнивали с Карраччи, подчеркивая их различия. Считалось, что Карраччи стремился в своей живописи к идеалу, тогда как Караваджо – к реальности. В данном случае Карраччи придерживается традиционной иконографии своего времени, тогда как Караваджо буквально «взрывает» сюжет, максимально приближая его к современности.

Рядом с двумя выдающимися мастерами соседствует еще один известный художник той эпохи – Джованни Бальони, оставшийся в истории как непримиримый соперник и весьма нелицеприятный биограф Караваджо. В 1603 году Караваджо был арестован по его обвинению за написание и распространение порочащих Бальоне стихов. Мотивом стало то, что именно Бальоне, а не Караваджо была заказана картина «Воскресение» для церкви Дель Джезу. Однако, несмотря на противоречивые отношения, влияние искусства Караваджо на Бальоне очевидно, о чем свидетельствуют представленные на экспозиции картины. Одна из них, «Св. Иоанн Креститель» (1600), прибыла в Рим из Москвы, из частной коллекции. Владелец, пожелавший остаться неизвестным, купил ее в 2007 году на аукционе «Кристис» в Нью-Йорке.

Одной из жемчужин выставки, без сомнения, являлось полотно «Сивилла Кумская» (1617) Доменикино – художника, продолжавшего традиции Аннибале Карраччи, как и Джованни Ланфранко, Гвидо Рени и Франческо Альбани. Напротив, Орацио и Артемизия Джентилески, Карло Сарачени, Питер Пауль Рубенс, Орацио Борджанни и Бартоломео Манфреди были приверженцами стиля Караваджо. Запоминаются картины Орацио Джентилески «Давид, созерцающий голову Голиафа» (1615 – 1620) и «Поклонение волхвов» (1608) Рубенса, на которых ярко освещенные, выступающие на темном фоне фигуры библейских героев вызывают в памяти игру света и тени на многих полотнах Караваджо. Особое впечатление оставляет картина Артемизии Джентилески, дочери Орацио, «Сусанна и старцы» (1610), которую художница создала в возрасте семнадцати лет.

Личность Томмазо (Мао) Салини, представленного несколькими работами, в том числе алтарным образом «Св. Николай Толентийский» (1615 – 1616) из римской церкви Сант Агостино, переносит нас в лагерь противников Караваджо, поскольку тот был другом Джованни Бальоне и участвовал в ссоре, завязавшейся между двумя художниками. Среди картин, предоставленных Музеем изобразительных искусств имени А.С.Пушкина, выделялись работа Салини «Увенчание терновым венцом» (1609 – 1615), а также изумительные «Влюбленные» (1614 – 1618) Симона Вуэ.

Однако самым главным сюрпризом стало прибытие в Рим полотна «Св. Августин» (ок. 1600) из частной коллекции в Лондоне. Оно только недавно было атрибутировано Караваджо на основе инвентарных списков семьи Джустиниани 1638 года (маркиз Винченцо Джустиниани был одним из покровителей художника и владел многими его работами). Потомки маркиза во второй половине XIX века продали картину, которая оказалась в Испании, и только в 2010 году она была приобретена нынешним владельцем.

Некоторые детали позволяют приблизить это полотно к картинам цикла из жизни св. Матфея для капеллы Контарелли и, следовательно, отнести его к начальному периоду пребывания художника в Риме. Однако далеко не все историки искусства согласны с тем, что автор картины действительно Караваджо. В будущем по этому поводу предстоят ожесточенные дебаты, и это только еще раз доказывает, что интерес к жизни и загадочной личности гениального художника не угасает до сих пор.

Картина «Св. Августин» (ок. 1600), недавно атрибутированная Караваджо

Три гения в «Конюшнях Квиринала»

Знаменитый римский выставочный зал «Скудерие дель Квиринале», организованный в бывших конюшнях королевского, а ныне президентского дворца Квиринал, продолжает радовать публику выставками, посвященными великим итальянским художникам прошлого.

Вслед за Караваджо и Лоренцо Лотто в сезоне 2011/2012 годов «Скудерие» представили творчество трех гигантов эпохи Возрождения: Филиппино Липпи, Сандро Боттичелли и Тинторетто.

Обложка каталога выставки «Филиппино Липпи и Сандро Боттичелли во Флоренции XV века» с фрагментом картины Филиппино Липпи «Поклонение Марии младенцу Христу» (ок. 1478)

Первая выставка «Филиппино Липпи и Сандро Боттичелли во Флоренции XV века» преследовала цель «реабилитировать» Филиппино Липпи в глазах широкой публики и поставить его на один уровень с его выдающимся учителем – Боттичелли. Было заметно, что симпатии устроителей целиком принадлежали Липпи, представленному своими лучшими живописными работами, а также рисунками, прикладным искусством (как, например, изумительной резной деревянной дверью, выполненной по его проекту, с фигурами Данте и Петрарки) и обширным документальным материалом.

Открывалась экспозиция большим тондо (135 см в диаметре) «Мадонна с младенцем и историями из жизни св. Анны» (1452 – 53), принадлежащим Филиппо Липпи – известному художнику эпохи Возрождения и отцу Филиппино. Напомним, что Липпи-младший был сыном или, лучше сказать, плодом незаконной любви монаха-кармелитанца и монахини Лукреции Бути. Козимо де Медичи ходатайствовал перед папой Пием II о том, чтобы влюбленным было позволено оставить монашеские обеты и вступить в брак, но разрешения на это не последовало, хотя родители Филиппино некоторое время открыто жили в Прато. Тем не менее после рождения сына Лукреция Бути должна была вернуться в монастырь.

Филиппино остался с отцом, от которого получил первые уроки живописного мастерства. Он сопровождал его во время работы в Сполето, где Филиппо с учениками расписывал собор, и познакомился с лучшим из них – Сандро Боттичелли, который после смерти отца стал его собственным учителем.

Хотя большинство историков искусства считает, что по степени мастерства и таланта Филиппино Липпи ничуть не уступает Боттичелли, но широкая публика упорно не хочет этого признавать. В общественном сознании Боттичелли остается непревзойденным благодаря своим шедеврам – «Весне» и «Рождению Венеры».

Впрочем, на выставке в Риме творчество Боттичелли было представлено лишь несколькими картинами, среди которых выделялись «Портрет молодого человека» (из галереи Питти) и «Поклонение волхвов» (из Уффици), на которой изображены члены семьи Медичи, гуманист Джованни Пико делла Мирандола, поэт Анджело Полициано, заказчик картины Гаспаре Лами, а также сам художник.

На фоне отсутствия больших и важных работ Боттичелли особенно выигрывали нежные и грациозные Мадонны Филиппино Липпи, как, например, «Мадонна Строцци» (ок. 1485), прибывшая из нью-йоркского Метрополитен музея, или «Поклонение Марии младенцу Христу» (ок. 1478), из галереи Уффици. Прекрасен подготовительный рисунок к смерти Мелеагра, предоставленный Лувром. На выставке также экспонировалась одна из самых известных картин художника – «Явление Девы Марии св. Бернарду» (1486), хранящаяся в церкви Бадия Фиорентина, где во всем блеске проявился зрелый талант Филиппино, который после недолгого пребывания в Риме и изучения античности стал вносить в свои работы фантастический элемент, хорошо заметный в данном случае в пейзаже на втором плане, созданном из скалистых утесов и антропоморфных стволов деревьев.

Некоторые исследователи творчества Филиппино Липпи считают, что именно от него через Россо Фьорентино, а затем Пармиджанино, Тициана, Рубенса, Рембранта и Фрагонара тянется цепь к импрессионистам. Другим художником, который определил развитие живописи на несколько веков вперед, без сомнения, является Тинторетто, которому «Скудерие дель Квиринале» во второй половине сезона посвятили большую выставку. В отличие от Филиппино Липпи, затемненного впоследствии его учителем, Тинторетто, неудавшийся ученик Тициана, не мог пожаловаться на отсутствие известности, хотя его выставок не проводилось в Риме с 1937 года из-за трудности перевоза больших полотен из венецианских церквей и музеев.

Тинторетто появился на художественном небосводе Венеции в 40-х годах XVI века, когда в городе творили величайшие мастера. И все-таки этот молодой человек, решивший соединить в своем творчестве «колорит Тициана с мощью рисунка Микеланджело», не потерялся на их фоне, хотя и должен был упорством и хитростью пробивать себе дорогу. Нередко ему приходилось работать бесплатно, довольствуясь оплатой холстов и красок, или соглашаться на очень скромную цену. И все же в короткий срок благодаря гибкости и умению идти на компромиссы Тинторетто добился известности и встал в один ряд с Тицианом и Паоло Веронезе.

Его первым триумфом считается грандиозное полотно «Чудо св. Марка» (1547 – 48), которое вместе с еще одним шедевром мастера – «Перенесение тела св. Марка» (1562 – 66, обе картины находятся в Галереях Академии в Венеции) – было представлено в Риме.

Библейская тема главенствует в творчестве Тинторетто. С особой любовью она прослеживается в картинах «Сотворение животных» (1550 – 53) из Галерей Академии, двух вариантах «Тайной вечери» из венецианских церквей Сан Тровазо и Сан Поло, в задумчивых и приглушенных образах Марии из Скуолы ди Сан Рокко и, конечно, в очаровательной, нежной «Сусанне», находящейся в Kunsthistorisches Museum в Вене, в которой Тинторетто выразил свой идеал женской красоты.

Не менее поразителен художник в полотнах на аллегорические сюжеты и как портретист. Одной из его лучших работ в этом плане можно считать картину, на которой камерленги Микеле Пизани, Лоренцо Дофин и Марино Малипьеро поклоняются Мадонне с младенцем и святыми Себастьяном, Марком и Федором Тироном, который до перенесения в город мощей св. Марка был покровителем Венеции.

Но особенно поражают два автопортета Тинторетто, один из которых открывает, а другой – завершает экспозицию. С первого, созданного в 1548 году и хранящегося в Музее Виктории и Альберта в Лондоне, на нас смотрит молодой человек, сосредоточенный, но одновременно готовый, не задумываясь, бросить вызов судьбе. На втором, 1588 года, находящемся в парижском Лувре, изображен много испытавший старик, в безнадежном взгляде которого угадываются ожидающие его трагедии (в последние годы жизни Тинторетто потерял двоих детей). Находящееся рядом полотно «Положение Христа во гроб», начатое художником, но законченное его сыном Доменико незадолго до смерти Тинторетто, как будто опускает занавес над его печальной жизнью, полной борьбы.

Тинторетто «Сусанна и старцы» (1555 – 1556)

Триумф Галы

Большая выставка «Дали – художник, гений» прошла в престижном римском выставочном зале «Витториано». Она была организована в сотрудничестве с Фондом «Гала-Сальвадор Дали» в Фигерасе и ставила целью исследовать связи великого испанца с Италией.

Сам Дали встречал посетителей выставки, обращаясь к ним с многочисленных экранов и приглашая погрузиться в его ирреальный мир. Художника можно было видеть и на многочисленных фото, сделанных известным американским фотографом Филиппом Халсманом, и эти образы, проникнутые иронией, свидетельствовали как о гениальности автора снимков, так и самого портретируемого.

На выставке Дали в «Витториано» (первой после шестидесятилетнего перерыва в итальянской столице) были показаны его картины и скульптуры, в которых он ведет своеобразный диалог с гигантами эпохи Возрождения, такими, как Микеланджело и Рафаэль. Юношеский «Автопортрет с шеей Рафаэля» (1921) подчеркивает преклонение художника перед итальянским гением. Ошеломительная картина «Дематериализация возле носа Нерона» (1947) в сюрреалистическом ключе интерпретирует античную культуру Рима. А «Мягкий автопортрет с жареной грудинкой» (1941) свидетельствует о том, что художник не остался равнодушным и к итальянской кухне.

Связи великого испанца с прекрасной Италией оживают через его путешествия в Рим, Венецию, в местечко Бомарцо под Римом, известное своим парком со скульптурными «чудовищами», которые как бы сошли с живописных работ самого Дали.

Художник сотрудничал с Лукино Висконти, создав сценографии для комедии «Как вам это нравится» по Шекспиру, которая увидела свет в римском театре Элизео в 1948 году. Об этом факте рассказывают великолепные фотографии из альбома, принадлежавшего Висконти, документы и переписка между двумя гениями, а также экспонируемые театральные костюмы.

К сожалению, не состоялось сотрудничество Дали с другим великим итальянским режиссером – Федерико Феллини. Гала, жена Дали, предложила тому сделать фильм, посвященный жизни художника. Феллини загорелся идеей, был найден молодой актер, необычайно похожий на Дали, но проект так и не был реализован. Остались только фотографии и страница в «Книге сновидений» Федерико Феллини, которую он посвятил испанскому гению.

Италию и искусство эпохи Возрождения Дали открыл благодаря своей жене. К римской выставке был приурочен выход книги: Гала Дали «Тайная жизнь. Неизданный дневник» (издательство «Ippocampo»). Со страниц этой небольшой книги впервые звучит голос самой Галы (Елены Дмитриевны Дьяконовой), которая больше не является молчаливой музой гения сюрреализма, моделью, появляющейся на многих его картинах, но раскрывается как человек необычайно тонкий, самобытный, поэтичный, который философски осмысливал проблемы жизни и смерти.

На много десятилетий замкнутая и застенчивая Гала оказалась в тени своего яркого и экспансивного супруга. Но ее автобиографические записи, изданные на испанском, а теперь и на итальянском языке, позволяют судить об этой неординарной женщине не с чужих, а с ее собственных слов. Гала рассказывает о своем детстве в России, вспоминает мимолетный роман с юношей, с которым она познакомилась в Италии. В книге даются ксерокопии рукописи Галы (она писала по-французски, хотя и не в совершенстве знала этот язык) и ее писем к Дали с Сицилии.

Необыкновенно высокий литературный уровень воспоминаний позволяет лучше понять ту ключевую роль, которую сыграла Гала в написании книги «Тайная жизнь Сальвадора Дали» (иные исследователи даже полагают, что самые прекрасные, полные поэзии страницы принадлежат в ней именно ей). Но больше всего все-таки поражают ее философские размышления, которые открывают в ней глубокую и до сего момента по сути неизвестную личность, которая, несмотря на богатство и славу, не утратила осознания главной цели пребывания человека на этой земле.

«Самое главное для меня – это любовь. Это ось моей жизнеспособности и моего мозга, пружина, которая устремляет меня вперед, ясно и точно определяя мои чувства, импульсы, мои знания. Может быть, именно поэтому я не принадлежу нашему времени, где больше нет места для любви?» (Гала Дали из книги «Тайная жизнь. Неизданный дневник»).

Гала и Сальвадор Дали

Новации MAXXI

MAXXI – один из двух музеев современного искусства в Риме. Он открылся в 2010 году и объединяет экспозиции, посвященные новым открытиям в области архитектуры и искусства.

Здание музея MAXXI, построенное по проекту архитектора Захе Хадид

Расположенный за стенами старого города, в квартале Фламинио, он привлекает к себе внимание не в последнюю очередь благодаря новаторской архитектуре. Проект здания принадлежит британскому архитектору иракского происхождения Захе Хадид, которая стала первой женщиной-архитектором, награжденной Притцкеровской премией. Здание элегантно как снаружи, так и внутри, и в нем особенно поражают пересекающиеся в пространстве лестницы.

Сложно не заметить, что MAXXI страдает теми же недостатками, что и его близнец MACRO: в нем отсутствует классическая база и прекрасные залы не всегда используются по назначению, экспонируя нашумевшие, но далеко не лучшие работы.

Впрочем, в этом сезоне музей представил несколько интересных современных художников. Одной из них была Мариза Мерц, живущая в Милане. Вдова известного итальянского художника Марио Мерца, она была активной участницей движения «Arte Povera+Azione Povera». Сегодня Мариза Мерц – одна из признанных фигур современного итальянского искусства, лауреат премии за карьеру Венецианского Биеннале, ее работы представлены в ведущих музеях мира.

Художница работает как в традиционном жанре живописи, так и в жанре инсталляции. В последнем она добилась интересных результатов, введя в язык современного искусства технику, которая традиционно считалась прикладной, принадлежащей женщине, как, например, вязание. Еще одним «инструментом» ее работы стали бронзовые провода, из которых она создает оригинальные фигуры. Однако ее живопись, на мой взгляд, намного превосходит ее инсталляции, и в MAXXI это было особенно заметно, где выделялись потрясающие картины в доминирующих голубых тонах, объединенные титулом «Без названия».

Интересна серия рисунков Люси и Джорджа Орта «Fabulae Romanae» (2012), где бродячие продавцы с их незамысловатым скарбом мастерски соединены с красотами Вечного Города, напоминая картины, которые в центре итальянской столицы, увы, можно видеть каждый день.

Обращала на себя внимание работа «Brozefrau n. 10» (2002) Томаса Шютта – немецкого скульптора, который исследует в своих работах женское тело и личность женщины.

Молодая художница Луиза Ламбри представила запоминающуюся серию фотографий «Untitled. Barragan House» (2005), в которой творчески анализируются детали дома знаменитого мексиканского архитектора Луиса Баррагана, известного своими проектами, где большие гладкие стены, часто содержащие отверстия, как будто хотят соединить внутреннее пространство с внешним миром.

Луиза Ламбри «Untitled. Barragan House» (2005)

Из инсталляций, представленных в музее, по-настоящему поражала лишь одна – «Прежде, чем наступит ночь» венецианца Джорджо Андреотты Кало, за которую в этом году он получил премию «Italia Contemporanea al MAXXI». С помощью стеноскопии – фотографического метода, пользующегося «камерой обскура» для воспроизведения образов, – он создал воображаемую шкатулку, внутри которой проецировался пейзаж вокруг MAXXI. Отважные посетители, которые в абсолютной темноте доходили до центра комнаты, оказывались как бы внутри человеческого глаза и видели образы перевернутыми, какими они проецируются на глазную сетчатку, а затем уже «переворачиваются» в нашем мозгу.

Репортер реальности

Есть личности, значение которых безоговорочно признано как их единомышленниками, так и идеологическими противниками. К ним, без сомнения, принадлежит Ренато Гуттузо – художник, оставивший яркий след в истории итальянского и мирового искусства, которому в этом году исполнилось бы сто лет. Человек большой культуры, выдающегося интеллекта, он доказывал своим творчеством, что искусство не должно оставаться в стороне от социальных проблем, и делал это, не уронив высоких эстетических идеалов живописи.

Ренато Гуттузо родился 26 декабря 1911 года в городке Багерия на Сицилии, однако родители предпочли зарегистрировать сына в Палермо в январе 1912 года из-за разногласий с местными властями вследствие своих либеральных идей.

Родной городок сыграл большую роль в формировании личности художника: именно здесь юный Гуттузо приобщился к миру живописи через ремесленные искусства, поскольку Багерия славилась своими мастерами по росписи боков знаменитых сицилийских повозок. Когда ему исполнилось тринадцать лет, он начал подписывать и датировать свои картины. Вначале это были маленького размера полотна, где он в основном копировал сицилийских пейзажистов XIX века или известных итальянских художников. Одновременно он пробовал себя как портретист и в 1930 году создал портрет отца, землемера и дилетанта-акварелиста Джоаккино Гуттузо.

В 1931 году молодой художник выставляет две картины на Квадриеннале современного итальянского искусства в Риме. В столице он впервые вживую видит работы великих мастеров прошлого, которые глубоко потрясают его. Он решает остаться в Риме и, чтобы заработать на жизнь, занимается реставрационными работами в Пинакотеке Перуджии и в римской Галерее Боргезе.

Он входит в художественные круги итальянской столицы, начинает сотрудничать с газетами и журналами, и уже с первых критических очерков прослеживается его выбор в пользу социальной живописи. Его статья, посвященная Пабло Пикассо, вызвала вмешательство фашистской цензуры и приостановила его сотрудничество с палермской газетой «L’Ora».

В 1935 году Гуттузо проходит военную службу в Милане. В это время он знакомится со скульптором Джакомо Манцу, поэтом (впоследствии лауреатом Нобелевской премии) Сальваторе Квазимодо, писателем Элио Витторини. Они сыграли фундаментальную роль в культурном развитии художника, но в целом миланский период для Гуттузо отмечен глубокой депрессией, о которой свидетельствуют некоторые написанные им стихотворения. Несомненно, это было связано с тяжелейшими экономическими условиями жизни, с которыми он столкнулся в столице Ломбардии.

Ренато Гуттузо «Автопортрет» (1975)

В конце 30-х годов Гуттузо переезжает в Рим, и его мастерская становится оживленным интеллектуальным центром итальянской столицы. В эти годы зарождается его дружба с писателем Альберто Моравиа, художественным критиком Антонелло Тромбадори и политиком Марио Аликата. Именно они сыграли решающую роль во вступлении Гуттузо в 1940 году в Коммунистическую партию Италии, которая в тот момент представляла единственную серьезную оппозицию диктаторскому режиму Муссолини.

В 1940–41 годах художник создает одну из своих наиболее значительных работ – картину «Распятие», вошедшую в анналы живописи XX века. Вот как он сам раскрыл ее значение: «Я хочу нарисовать пытку Христа как сцену из сегодняшего дня... как символ всех, кого мучают, бросают в тюрьму, пытают из-за его идей». Осенью 1942 года картина получила вторую премию на престижной выставке в Бергамо, однако Ватикан запретил верующим смотреть эту работу мастера.

В 1943 году, когда Италия была оккупирована немецкими войсками, Гуттузо оставил Рим, но активно участвовал в антифашистской борьбе. Сохранилась потрясающая серия его рисунков, посвященных партизанской войне, которые он сделал чернилами из нелегальных типографий.

После войны художник знакомится с Пабло Пикассо, с которым его связала крепкая дружба. В Италии он основывает движение «Народный Фронт Искусств», ставящее своей целью познакомить публику с европейским художественным опытом, который был недоступен во время фашистской диктатуры.

В живописи Гуттузо неизменно присутствуют социальные темы: образы добытчиков камня в сицилийском поселке Аспра, рабочих серных копий, швей, а также демонстрации крестьян за занятие необработанных земель. Многолетний друг Гуттузо, художник Марио Торнелло, не раз присутствовавший при рождении работ мастера, так описывал процесс его творчества: «Зажженная сигарета приклеивалась к выпуклости нижней губы, левый глаз прикрыт, голова наклонена вправо. Он следовал за полетами своей фантазии, и на его лице отражалась огромная духовная работа, проникновение во внутренний мир».

С 50-х годов имя Ренато Гуттузо становится широко известно в мире. Его выставки проходят во многих европейских столицах. В 1961 году ретроспективная выставка работ мастера организована в Музее изобразительных искусств им. А.С.Пушкина в Москве. В 1972 году художнику присуждена Ленинская премия, а Академия художеств посвящает ему еще одну большую выставку.

Русская тема не раз всплывает в творчестве Гуттузо: в 40-х годах он дебютирует как сценограф музыкального театра в опере И.Стравинского «История солдата», а позже создает сценографию и костюмы для оперы «Леди Макбет Мценского уезда» Д.Шостаковича.

Многие, близко знавшие Гуттузо, утверждают, что в человеческом плане он был по-настоящему незабываем. Это в полной мере подтверждает история его преданного секретаря Рокко. Гуттузо познакомился с ним в Калабрии, куда уезжал на пленэр, чтобы создать серию рисунков из повседневной жизни рыбаков, одним из которых был Рокко. Художник позвал его с собой в столицу и затем нарисовал много его портретов.

«Ренато изменил его жизнь, избавив от нищеты, – вспоминал Марио Торнелло, – и сам Рокко неоднократно отмечал невероятную щедрость мастера, перечислив мне однажды людей, которые стучались в дверь мастерской, чтобы получить в тяжелые моменты какой-нибудь рисунок Ренато, который они тотчас же продавали владельцам галерей, уже поджидавшим за дверью».

Ренато Гуттузо умер 18 января 1987 года, исповедовавшись своему духовнику монсеньору Анжелини и совершив таинство причастия. Об этом много писали газеты, но близких друзей новость не удивила, поскольку, несмотря на коммунистические идеи, в художнике жило глубокое религиозное чувство.

Свои наиболее важные работы он завещал Галерее современного искусства в Риме. Остальные картины и богатое документальное наследие он еще раньше передал в организованный им музей своего родного городка Багерия. Фонд Гуттузо, находящийся на вилле Каттолика, обладает наиболее обширной коллекцией работ мастера, в которую входят картины, рисунки и гравюры. По случаю столетней годовщины со дня рождения художника в музее были организованы две выставки, посвященные реставрации единственной скульптуры Гуттузо «Газетный киоск» и жизни мастера, на которой был представлен богатый документальный и видеоматериал.

Ренато Гуттузо похоронен в саду виллы Каттолика, в саркофаге из синего мрамора, который создал для него его друг, выдающийся итальянский скульптор Джакомо Манцу. В дни празднования он был украшен своеобразной инсталляцией из ветвей столетних олив, фикидиндия, лимонов и апельсинов, являющихся отличительной чертой сицилийского пейзажа, которые художник не раз запечатлел на своих картинах.

В октябре 2012 г. откроется большая ретроспективная выставка работ Ренато Гуттузо в римском выставочном зале «Витториано».

Новая жизнь воскресшего Лазаря

После семи месяцев завершились реставрационные работы картины «Воскрешение Лазаря» Караваджо. Художник написал ее в Мессине, получив в декабре 1608 года заказ от генуэзского торговца Джован Баттисты де Ладзари для украшения его семейной капеллы в церкви дей Падри Крочифери ди Камилло де Леллис. Согласно договору, на полотне должны были быть изображены Богоматерь, св. Иоанн Креститель и другие святые, но в июле 1609 года, когда картина была установлена в капелле, сюжет оказался изменен и представлял собой евангельский эпизод о воскрешении Лазаря.

Караваджо «Воскрешение Лазаря» (1609)

Эта работа, без сомнения, относится к наивысшим художественным достижениям Караваджо. Современники были так поражены умением художника передать отпечаток смерти, гниение и разложение тела, что вскоре родилась легенда, будто бы Караваджо заставил выкопать труп человека, умершего незадолго перед этим, и внимательно изучал его, угрожая испуганным рабочим кинжалом. Однако не вызывает сомнений одно: Караваджо был образованным человеком, он хорошо знал священные тексты (об этом свидетельствует инвентарная опись его книг) и осмысливал их, стараясь творчески интерпретировать библейские сюжеты в своих живописных работах.

Но какой бы поразительный эффект ни производила картина на современников, ее дальнейшая судьба была отнюдь не проста. Уже к 1670 году относятся первые сведения о ее реставрации, которая была проведена художником Андреа Суппа весьма неудачно. Согласно свидетельству Франческо Сузинно, Суппа пытался «очистить» картину обыкновенной водой и полностью смыл слой черной краски. Неудавшийся реставратор был обвинен в том, что испортил шедевр Караваджо и вскоре умер, мучимый угрызениями совести.

Многие историки искусства склонны считать эту историю абсолютной выдумкой, но достоверен факт, что уже несколько десятилетий после своего создания полотно Караваджо нуждалось в реставрации. Скорее всего это было связано с качеством красок, которыми ему приходилось пользоваться на Сицилии и которые значительно отличались от красок, к которым художник привык в Риме.

Последующие реставрационные работы картины проводились соответственно в 1820, 1919 и 1951 годах.

Нынешние работы, которые осуществил римский Институт сохранения и реставрации в сотрудничестве с Региональным музеем Мессины, имели своей целью провести ревизию предыдущих работ, продолжить исследование полотна Караваджо и постараться разрешить те проблемы, которые не были решены в прошлом. В последние годы многие отмечали, что изображенный на картине сюжет был «плохо виден». Это было связано с высыханием лака, защищавшего слой живописи, который потрескался и повлек за собой цветовые изменения.

Теперь же шедевр Караваджо вернулся к его первоначальному виду. Ученые изучали технику и краски, которыми пользовался художник, чтобы понять, почему происходит «старение» его работ. Для реставрации также внимательно выбирались материалы, чтобы как можно на большее время продлить жизнь картины.

В июне-июле 2012 года «Воскрешение Лазаря» Караваджо будет выставлено в Палаццо Браски, где располагается Музей Рима, а затем вернется на свое место в Региональный музей Мессины.


[На первую страницу (Home page)]
[В раздел «МАСК»]
Дата обновления информации (Modify date): 07.03.13 21:58